我很难将眼前的画作与远处那位满头银发的老者联系到一起。但我知道，就是他。我还知道，他日渐老去的身体里，依然有一颗年轻的心。只是，岁月从未饶过谁，他也同样难以幸免。即使他贵为大家，是大师之后，是赫赫有名的李可染之子李庚先生。他唯一能抵挡岁月对他侵蚀的是，尽可能地保有内在的激情，特别是艺术创作的激情。我庆幸他有艺术做伴，否则，他真的只是一位老人了。但是因为他有艺术，我从他艺术的创作中感受到他青春的心。就像他当年站在父亲李可染身边那样，甚至还带着某种腼腆与青涩。我甚至从他的色彩中感受到某种恋爱中的甜蜜。是的，他的彩色抽象作品，如同一个个斑斓的梦境。那是属于青年的感性的梦。而那一幅幅黑白作品，则是他作为青年的理性，渴望挣脱一切束缚，在黑暗的尽头，是光明。即使只有一点点光也绝不放弃。那是希望，是世界的窗，是人类的出口。

若不是有年轻的感性的心，他无法画出如此色彩绚丽的作品，若非有理性作支撑，作品无法如此克制而纯净。他仿佛是一个矛盾体，但是他却用几十年的修行硬是透过调色板将原本矛盾的一切调和得如此和谐。如同大地，接受人类抛给她的一切污秽，从地里开出绚烂的花，结出甜蜜的果。这就是大地之歌。马勒以交响乐《大地之歌》来赞美大地，而李庚以自己黑白相间与色彩缤纷的绘画来歌唱大地。

是的，西乐为画墨为歌，这是音乐与绘画的交融。我仿佛看到，李庚先生在马勒的交响乐中，感受前人对生命如泣如诉地歌吟。譬如第一乐章：“愁世的饮酒歌”（Das Trinklied vom Jammer der Erde）歌词来自李白的《悲歌行》。乐章以古诗的歌词为基础，作者将诗分为三段，每段都用“生是黑暗的，死也是黑暗的”作为结尾。这首诗的原意为：人的一生不过百年，面对这一现实，最好的方法是以酒浇愁。音乐以赞美生活开始，以痛苦欲绝告终。我终于知道，为什么李庚先生要比很多同龄人略显老态。因为他听了太多关于生死悲苦的曲子。有些苦就那样不知不觉渗透到了骨髓里。就像马勒本人。或许马勒的内心累积了太多的苦。我不知李庚先生是否曾经也经历过很多本不该有的苦难，否则他为何会那么喜欢马勒呢？

或许因为我是一位作家，所以我看待绘画作品的视角与专业的艺术评论家不太一样，他们从作品的构图、用色、光影、线条、甚至肌理等等去评论，但是我更关注的是创作这些作品背后的那个人物。我想知道，这个人的生命中都经历了些什么，所以他才会创作出这样的作品？而专业的艺术评论家则正好相反，他们似乎不太关注人。无所谓对与错，好与坏。只是由于关注的侧重点不同，写出的评论文章也会大相径庭。

当然，也并不是所有专业的艺术评论家都如此，譬如王鲁湘老师的评论，就堪称经典，也因此他的评论作了此次展览的前言。

王鲁湘主持了这次李庚艺术研讨会。这是一次极其特别的研讨会。在过去三年中，每次参加活动，无论外面的疫情如何，到了会场大家都会摘掉口罩。但这一次与以往不同，尽管王鲁湘老师说，我们不能确定对面坐着的那个人是否“阳性”？但是唯有敞开双臂勇敢地拥抱这个世界，疫情才能早些过去，并真正结束。然而每位与会嘉宾即使在发言中也依然罩不离口。但即便如此，大家做起评论来还是滔滔不绝。谈的最多的就是“抽象”两个字。

抽象艺术指艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。它的美感内容借由形体、线条、色彩的形式组合或结构来表现。有时抽象艺术的主题是真实存在的，但由于过分风格化、模糊化、重叠覆盖或分解至基本的形式，以至于难以辨认原貌。有人将抽象艺术分为两类：

第一类抽象艺术：如塞尚、克利等艺术家以自己对事物的概念为依据，在创作中削砍对象外观中被认为是次要与偶然的形式因素，使艺术形象得以显示被认为是本质的原形。也有另一些艺术家，如毕沙罗等则以个别、特殊的自然对象为依据，从其自然外观中抽取艺术形象的模式。

第二类抽象艺术：以康定斯基、米罗为代表，他们的作品具有明显直接的情感表现性质，因此被称为浪漫的、有机的或热烈的抽象艺术。还有如马列维奇、蒙德里安等艺术家在作品中展现的是一些冷静、规则的几何构成。

但是“抽象”艺术在毕加索看来并不存在，他认为只不过有人强调风格，有人强调生活罢了。在米歇尔·塞弗尔看来，抽象艺术是：“我把一切不带任何提醒、不带任何对于现实的回忆——不管这一现实是否是画家的出发点——的艺术都叫作抽象艺术。

我想李庚先生或许受了康定斯基或库普卡的影响。在这次研讨会上，有学者认为李庚先生的抽象不同于那些野兽派的抽象，而是文明的、有教养的、高级的抽象。

但实际上，野兽派和立体派一样，共同促进了形与色的独立发展。康定斯基发现了它们的奥妙，并于1910年画了第一幅断然抽象的水彩画，是一幅无具象愿望的、充满活力的重叠色点。康定斯基的创造性发明是从音乐中获得美学启迪，尔后捷克人库普卡直接从音乐中获取灵感进行抽象艺术创作。人称他是音乐主义画家鼻祖，后来他们共同组成抽象派。

有人认定抽象艺术是由西方而来，但王鲁湘老师认为中国才是抽象艺术的鼻祖。我对此持赞同的观点，并且对“抽象”二字重新做了思考。

我理解的抽象就是将自己从肉眼所见的具象的事物中抽离出来，以另一只眼睛来看待这个世界。或者索性将自己整个的抽离出来，忘记自己的存在。不企图想要主观的刻意的表达什么，而让自己的潜意识去说话，去表达。我们的阿赖意识里储存的智慧比我们主观所能想象达到的要大无穷倍，可是人类常常满足于主观的甚至做作的表达，总是处处想要凸现“我”的存在。不知正是这个我，禁锢了我们无限的可能性。

抽象艺术的表达，正是给了人类无边无际的可能性。脱离了低级趣味的自我满足，而将自己融入于更多维的无限的宇宙空间。直至抵达玄化鸿蒙道通天地的境界。这时，天地不再是分离的，万物是可爱而合一的，死亡不再是悲哀的，生命是循环往复的。但绝不是刻板的重复，而是每一个轮回都如同一幅抽象作品，你不知下一幅会如何，所以令人充满期待。这就是抽象之所以吸引人的原因。它从不明明白白告诉你，这是什么？包括创作者本人。就像我们的人生，主人公其实与旁观者一样，乃至于可能旁观者比主人公更清晰地看到某些东西。因为多数主人公无法将自己抽离出来，跳出来看自己，而旁观者却可以。

抽象艺术正是给了我们跳出来看自己甚至也跳出来看世界的可能。

在这次研讨会上，我听到后让我耳朵立即竖起来的是王鲁湘老师说到，在李可染老爷子八十岁的那年，某一天他突然很神秘地对身边人说，我再出来的作品要让所有人都吃惊。

但谁知，美术史上的一代巨擘李可染不久后仙逝！从此，人间多了一个谜，或者说李家多了一个谜语，可染先生那个让人吃惊的创作到底是怎样的？难道真的就被他这样永远地带走了吗？

好在，老天有安排。李庚是李可染最小的儿子，母亲邹佩珠亦是新中国第一代雕塑家、教育家、社会活动家，为中国文化事业的发展做出许多贡献。我于2012年1月曾在人民大会堂举办过一次新书发布会，当时李可染夫人邹佩珠女史也应邀参加。前辈亲切和蔼，呈现给我更多的像一位慈祥的奶奶，而非高居庙堂之上的大艺术家。此次与李庚先生见面，给我同样的感受。像一位邻家叔叔，而非高高在上的大家。其实真正的大家大多如此。平常日子里不显山不露水，甚至也不多讲什么既高深莫测又空洞乏味的话。一切深邃与高远皆在作品里见。我想，我已经在李庚先生的作品里找到了那个我想要的答案——可染先生觉得会让大家吃惊的画面，已经通过冥冥中的连接，传给了爱子李庚……

这就是为什么我在这里放了李庚年轻时与父亲李可染的合影，而不是放当下李庚的样子。因为我不想让李可染先生看到李庚也老了，也成了他当年白发苍苍的样子。我希望父亲眼里的李庚永远是年轻的，是有无限未来的，是可以创造一个又一个奇迹与惊喜的。

这不是逃避，恰恰是敢于向一切挑战。既然抽象艺术可以让我们抽离现实，为什么就不可以在心性上永远活在青年呢！我愿，下一次见到李庚先生时，他一副英姿勃勃意气风发的样子，我会在心里想，那就是他。对，就是他！

李庚，1950年2月17日出生于北京。

现任李可染画院院长；中国美协河山画会会长；中国国家画院研究员，日本京都艺术大学教授。

曾在美国、英国、意大利、法国、俄罗斯、德国、乌克兰、日本、等国举办联展与个人作品展，并在日本多次发表陶画作品，陶画作品《三国演义》、《西游记》、《水浒传》等中国传统人物在日本名艺陶器上发表。在中国美术馆举办《马勒音乐与绘画展》；参加中国国家画院举办“写意中国”2014 中国国家画院年展；参加中国国家画院丝绸之路写生创作展。作品被中国美术馆、中央美院、人民大会堂、钓鱼台、国家画院等机构收藏。

李庚自幼随父亲李可染大师习画，后拜黄胄、黄苗子、黄永玉等艺术大家为师学习。八十年代中叶，李庚先生主持德国明斯克工业大学艺术学院东方艺术讲座。任教于日本京都造型艺术大学艺术学部。长达六十余年的艺术生涯使李庚先生具有了深厚的艺术修养和广阔的艺术视野，他深谙中国民族传统艺术与西欧古典艺术和当代艺术，归国后，他向各界艺术家展示出出各个领域的研究成果、对比中外文化的不同和相似，各种学术观点的共性及不同，希望对我国现当代的艺术家有所启发，从而推动当代美术的深度，推动美术教育和普及，促进我国文化事业的蓬勃发展。

沈思源

中国当代作家、艺术评论家、纪录片出品人、东西方艺术家协会副主席、北京奥林匹克文化促进会环境与公共艺术委员会副主任、源点思想库创始人。

擅长透过文字洞悉人性，通过写作直抵生命本质。著有《何去何从》《漂魂》《水里的圣经》《返思录》《梦醒记》《太阳之子》《安之书》《孤独之美》《天才女人》《我的爱》《二囡家书》《必由之路》《走着走着就遇见了》《身心健康密码》《生命是一场喜悦的旅程》《吾心安处》等多部长篇小说及各类文学作品。她一直坚守文以载道，将自己的思考和写作专注于探求宇宙的实相、人生的意义与生命的价值。