艺术家常斌的这幅抽象象征主义裂隙派作品，通过视觉符号、色彩质感与空间隐喻，构建出一个关于“创伤、突破与精神联结”的深层叙事。这种叙事可以从多个维度进行解析，以更深入地理解其内涵和艺术价值。

首先，核心符号——裂隙的多重象征，是整幅作品视觉上的焦点。画面中央垂直贯穿的黑色裂隙，以其独特的形态和意涵，充满着矛盾性。一方面，裂隙的“撕裂感”和“不规则边缘”直观地指向心理或存在的“破损”，如同记忆的裂痕、精神的创伤、关系的割裂。而黑色的深邃则进一步强化了痛苦的“未知性”与“压迫感”，使观者在视觉上感受到一种强烈的冲击和内心的不安。

然而，裂隙不仅仅是创伤的象征，它还是“穿透性”的存在。裂隙打破了背景的平面性，制造出“从黑暗到光明”的纵深空间，给人一种从困境中突围的隐喻。裂隙处似乎有光源渗透，暗示着创伤后的觉醒和希望的到来。同时，裂隙的不规则边缘也暗示着“破坏中蕴含重构的可能”，指向“破碎后重生”的生命逻辑，体现了艺术家对于生命力的顽强和希望的坚持。

其次，背景与质感——潜意识的时空褶皱，也是作品表达情感和思想的重要手段。蓝绿色渐变的背景与“褶皱、斑驳”的质感，构建出心理与时间的隐喻场。从色彩心理学的角度来看，蓝绿色关联着“潜意识、平静下的压抑、深邃的孤独”。背景从上至下的明暗渐变（上亮下暗），可以解读为“意识与潜意识的边界”，上方明亮如意识显化，下方幽暗如潜意识沉淀。这种色彩的运用，使得画面在视觉上更具深度和层次感，引导观者进入一种深层的内心体验。

肌理与时间的结合，更是为作品增添了历史的厚重感。背景的褶皱、龟裂质感，如同“记忆的纹理”“岁月的侵蚀”，既指向个体心理的“历史沉积”（创伤后的心灵褶皱），也暗含着“集体无意识”的普遍性（如人类共通的精神困境）。这种质感不仅是对个体经历的反映，也是对人类共同命运的思考，使作品具有更广泛的共鸣。

再次，空间与光线——内外世界的联结，也是作品表达的重要元素。画面中间的水平光带与裂隙形成一种空间张力。光带分割画面上下，既是“现实与虚幻的边界”（如意识与梦境、自我与他者），也隐喻着“生命阶段的分野”（如过去与未来）。裂隙穿透光带，让黑暗与光明在此交汇，光线从裂隙处溢出，既像“创伤中迸发的希望”，也似“精神觉醒后照亮的未知领域”，完成了“内外世界的能量交换”。这种光与暗的交织，不仅丰富了画面的视觉效果，更深刻地表达了艺术家对于内在与外在世界相互作用的思考。

最后，整体叙事——破碎中的精神突围，是作品的主题所在。作品以“裂隙”为核心，串联起创伤—突破—联结的叙事链条。个体在“潜意识的幽暗深渊”（蓝绿色背景）中遭遇“精神的断裂”（裂隙），却因“裂隙本身的穿透性”（光的渗透），在破碎中寻得“觉醒与重构的可能”。这种矛盾统一，呼应了抽象象征主义对“存在本质”的追问——痛苦与希望共生，破碎是通往完整的必经之路。

常斌的这幅作品不仅具有深刻的主题和丰富的象征意义，还以其开放性的表达方式，让观者能够代入个人体验，进行深度的思考和共鸣。有人看见“创伤后的自我疗愈”，有人读解“现实困境中的精神突围”，有人共鸣“集体记忆的裂痕与联结”。抽象艺术的魅力，正在于用符号唤起普遍的人类情感与哲思，而常斌的作品正是这种魅力的完美体现。

通过对常斌这幅作品的深入解析，我们可以更好地理解抽象象征主义裂隙派的艺术语言和表达方式，以及艺术家如何通过视觉符号、色彩质感与空间隐喻，构建出一个充满矛盾和希望的内心世界。这不仅是对艺术作品的欣赏，更是对人性、生命和存在的深刻思考。

——郭连章

2025年9月26日